​El Museo Carmelo Fernández presenta una selección de obras de su colección con el fin de explorar los enfoques de la abstracción geométrica. La exhibición cuenta con 13 obra que van desde los años setenta hasta la actualidad, y aunque se enfoca únicamente en arte venezolano pone en evidencia una diversidad de técnicas y acercamientos conceptuales sobre las propuestas geométricas.
 
La persistencia de la geometría muestra su relevancia que la caracteriza desde los años cincuenta hasta nuestros días, como una forma de expresión concreta y pura. Su empleo facilitó el alejamiento de la representación de la realidad y alentó la aspiración de crear un nuevo lenguaje visual que encarnara las ideas de pureza y perfección.
 
Las obras de mayor relevancia como: Variante del Amarillo Nº 3 de Mercedes Pardo, Composición Nº 5 de Omar Carreño, Sinfonía Nº11 de Freddy Armas y Construcción de Esteban Castillo tienen un acercamiento más sutil y concreto de la geometría utilizando las líneas limpias y el color puro para mostrar la perfección de las formas.
 
Por otro lado están las propuestas de índole sensible que hoy vemos su vigencia con modalidades nuevas y posibilidades creativas ilimitadas. En esta tendencia vamos a observar las obras de los artistas: Signos y Emblemas de Manuel Quintana Castillo, Surgimiento de una Forma de Michelle Arias, Estructuras de Efraín Guevara,  Imbricaciones Cromáticas Alexander Brandt, Penetración de la Luz IV de Euclides Bouquette y Líneas + Construcción = Cuadro de Juan Carlos Martínez donde el color como expresión plástica se muestran uniforme, frío, firme y seguro sobre el plano. Pero además se contraponen con las piezas de los grandes maestros al ser espontáneas, es como dice Gaston Bachelard  “…una geometría implícita, una geometría que se quiebra o no espacializa el pensamiento”[1].
 
La forma geométrica se han utilizado con una nueva actitud que apela tanto a lo sensorial como índole cultural, los artistas contemporáneos han reutilizado el vocabulario geométrico como estilo y lo han convertido en recipiente de nuevos planteamientos.

​Esta exposición reúne un grupo de obras importantes dentro de la colección del museo, son piezas de grandes dimensiones, la exhibición está estructurada como un conjunto de tiempos y narraciones distantes que presentar una historia del arte contemporáneo venezolano, tejida de múltiples voces, circunstancias y momentos.
Las obras de los artistas Wilkar Ríos, David Cedeño, Francisco Bugallo, Rafael Sánchez, Edgar Giménez Peraza, Paolo Leone, Luís Noguera y Paul Parrella muestran la destreza y la fuerza impresa sobre estos planos  grandes, donde el color, las líneas y las texturas revelan el alma que rodea a los artistas. 
La mirada no es estática cuando observamos estas creaciones, debemos recorrer todo el espacio para poder disfrutar de la composición y las formas aplicadas en cada una de las obras. El campo pictórico se vuelve inmenso ante nosotros como por ejemplo la obra titulada “El Músico” del artista Edgar Gimenez Peraza, allí podemos ver la destreza del dibujo como las líneas se entrelaza entre la textura y la mancha como un gran mural que se vuelve avasallante ante nuestros ojos.
De la misma forma sucede con las piezas de Francisco Bugallo obra titulada “Cristo” de imagen fuerte al reinterpretar el “clásico religioso” con una visión contemporánea basada en el rigor conceptual y técnica que caracteriza toda su obra.      
Luis Noguera expresa su vivencia sobre el solar de su casa desde la abstracción y la materia como símbolo. Por otro lado los artistas Wilkar Ríos, David Cedeño y Rafael Sánchez resaltan el imaginario desde la figuración con un cromatismo interesante por el uso de las tonalidades, la fuerza de la línea y la pincelada.
De igual manera sucede con la pieza de Paolo Leone titulada “(Des) Cultivo” plantea un simbolismo desde el bodegón  yuxtaponiendo la figura y los símbolos sobre la mancha usando un soporte transparente como una cortina de manera intencional, haciendo participen al espectador en la obra.
En el caso de la pieza titulada “Anotaciones sobre la Luz” de Paúl Parrella podemos observar la importancia de la mancha y la gestualidad que aplica el artista sobre el soporte expandiéndose en el espacio como una gran destello.
Finalmente dejamos en el criterio del espectador su visión de esta muestra  que se tradujo para el equipo del museo, como un desafío expositivo y dando respuesta a la actualidad contemporánea del arte venezolano. 

El Museo Carmelo Fernández tiene el placer de presentar esta muestra con una sustanciosa recopilación de artistas de los estados Lara, Anzoátegui, Zulia, Distrito Capital y Yaracuy, que incluyen nombres como: Maria Fabiana Zapata, Natalia Rondón, Rosa Canelón, Liseth Castillo, Malu Valerio, Maira Reverol, Clemencia Labin, Norma Morales, Victoria Proaño y Michelena Farrauto.
Esta exposición abarcan desde la pintura, la escultura, el dibujo, la artes graficas, la instalación y el arte conceptual, dicha  exhibición es una guía de referencia indispensable, con un placer para la vista por la calidad estética que cada una de las mujeres presentan como propuestas plásticas en pleno siglo XXI.
La historia del arte ha sido compuesta con una generalidad, y es que su gran mayoría los exponentes más reconocidos son hombres. Sin embargo, desde el siglo XX hasta hoy se ha empezado a integrar la obra de mujeres con discursos visuales contundentes que han experimentado en diferentes soportes, técnicas y medios, abarcando desde las artes gráficas, la pintura, el dibujo, la fotografía, la instalación y los nuevos medios.
En este sentido, esta exposición vale la pena revisar para entender la sensibilidad femenina y la mirada que le dan a un contexto social, histórico y político a través de sus trabajos creativos. Reflexionar sobre la actuación de las mujeres artistas provenientes de regiones distintas hace de esta muestra un territorio de convergencias que se cruzan desde los planteamientos conceptuales.
En esta oportunidad la artista Natalia Rondón presenta una pintura con una mirada aérea o frontal del espacio plástico, pintadas con colores grises, ocres y algunos toques de luz. Incorporar la técnica serigráfica, logrando manchas superpuestas o transparencias, que da esa sensación de lo corroído o del paso del tiempo, es una pintura abstracta que puede hallar su correspondencia en la geometría y la cartografía. Por otro lado Maria Fabiana Zapata muestra una instalación abierta y participativa, en la que cada espectador puede darle rienda suelta a su imaginación y construir su propia perspectiva en medio de una serie de figuras abstractas y geométricas que nos recuerda a la obra de la artista venezolana Gego (Gertrud Goldschmidt). La joven artista Liseth Castillo presenta una instalación que representa su visión del paisaje construidos desde el collage y pigmentos vegetales donde el libro objeto y lo bidimensional son uno solo en el espacio. Rosa Canelón propone una pintura vinculada al Arte Pop expresionista, utiliza imágenes simbólicas con un sentido diferente para lograr una postura estética urbana, utilizando objetos como trasmisor de mensaje y conectándose para crear un dialogo. Los colores y manchas se yuxtaponen de forma armónica en el plano entre puntos y letras que forman un discurso plástico interezante. También la creadora Malu Valerio nos presenta un trabajo liberador donde emprende un largo viaje entre la nostalgia, lo sensible y lo cotidiano, otorgando en cada costura bordada memorias que evocan la proximidad de vivencias propias y otras que no le pertenecen, logrando transformar con especial encanto y distinción un lenguaje propio, orgánico, íntimo, femenino y cotidiano. La artista zuliana Maira Reverol muestra un trabajo compuesto por 96 CD intervenidos pictóricamente, expresa una metáfora continua que pretende arropar la realidad y embellecerla, darle un sentido poético donde los árboles poblados de pájaros angélicos dialogan en si mismo. La artista venezolana residenciada en Alemania Clemencia Labin elabora abstracción pictórica, su técnica de relleno de telas le otorga a esta pieza una cualidad orgánica innegable, pues se trata de tejidos suaves al tacto y a la vista. Esta obra da la impresión de ser una pintura que comió demasiado y “engordo” para ganar volumen. Por otro lado la obra gráfica de Norma Morales se encuentra inscrita dentro del amplio espectro de las técnicas gráficas; en ella podemos apreciar la utilización del recurso de la intervención digital complementados con técnicas tradicionales como el aguafuerte donde la figura humana es la protagonista en el plano. Por ultimo las artistas yaracuyanas Michelena Farrauto presenta una obra que parte de bocetos o apuntes de la artistas, en la cual nos muestra un relato muy esquematizado a través de la composición, donde las imágenes sucesivas se integran en un solo dialogo. Victoria Proaño con su instalación sonora envuelve los  sentido del espectador por medio de la expansión del sonido en el espacio, allí podemos identificar los sonidos de la naturaleza que se expresan a través de los elementos plásticos que se entrelazan para crear una cartografía poética y sonora.
Para cerrar la pregunta es si el arte hecho por artistas mujeres en el siglo XXI seguirá siendo importante e innovador, queda en la reflexión y el impulso de estas mujeres artistas, pero además de la sociedad cultural contemporánea en los próximos años.

Alexis Lugo. Bajo el influjo de lo racional y lo sensible.
Pensar en un mundo racional sin su complemento, el lado sensible, a lo que le podemos añadir lo sensorial y espiritual, sería hablar de un mundo deshumanizado; y es que todo caos necesita un orden, recordando entre las aseveraciones del Maestro uruguayo Joaquín Torres García en su libro Estructura. El caos del artista Alexis Lugo está ordenado en ideas concretadas en forma de maquetas que son proyectos escultóricos con la intención futura de ser llevadas a escala cívica. Las esculturas son de un cromatismo intenso, fuerte, vivo, saturado y activo, muy propio del ser caribeño y latinoamericano. Amarillos, rojos, verdes y azules en contraste con blanco y negro se combinan en estado puro para captar la atención de cada arista, de cada forma, de cada espacio, de cada respiro de las piezas con el interés formal de mantener su mirada para admirar cada detalle, cada resquicio, cada pensamiento y así, hacernos reflexionar en torno a la capacidad creativa del artista, pero también a la del espectador.
Entre sus trabajos artísticos se pueden apreciar los diversos temas, que según los títulos: Serpiente, montañas, razas, tótem, árbol, cerúleo dinámico, cestería en movimiento, cariñitos, proteo, nuestro escultor valora y destaca el sentido de querencia y pertinencia por lo local, lo nacional y lo universal, por ejemplo, “Tricolor” donde nuestra bandera queda representada por sus colores característicos, además de sus estrellas; lo humano y lo cotidiano con “Cuidado te caes”; la sugestión maternal con “Cariñitos”; lo referencial con “eclipse”, así como lo meramente abstracto con su movimiento óptico y cinético real, bien sea eólico o bien mecánico como “Tótem Wanadi”, muy a la usanza de Alejandro Otero, uno de los artistas venezolanos padre del cinetismo universal.
Alexis Lugo es un artista que vive bajo el influjo de las cosas que lo rodean, la montaña y su fauna, la gente y ciertos personajes populares o simplemente, de lo que tiene delante suyo y echa manos de ello para sensibilizar por medio de la nobleza de los materiales con los que construye sus esculturas/maquetas, el pensamiento de los seres humanos.
Su tacto artístico le permite ordenar, organizar y componer ese caos del que está inmerso en su día a día. En sus resoluciones estéticas el fino y exquisito equilibrio en la tensión de un ángulo recto y agudo que señala a un lugar indeterminado y en el mantener en suspensión el filo de una forma que, sintetizada, representa un aspecto de una figura humana, humanizada en su sentido notoriamente sensible, hacen de Lugo un personaje completo, creativamente describiéndolo.
Entonces, y finalmente, el caos que puede ser la vida, encuentra el orden racional en la mente de este hombre, como pocos, llamado Alexis Lugo. Es que en definitiva, lo racional y lo sensible son características propias del ser humano. He allí en sus proyectos la razón para materializar a escala cívica sus obras.

Museo Carmelo Fernández se complace en presentar esta muestra denominada “Portuguesa Cinco Mentarios” conformada por los artistas Benjamín Arenas, José Jiménez, Engerbert Peña, Víctor Azuaje y Juan Mogollón. En este sentido el MUCAF continúa la investigación, promoción y difusión de la creación plástica del territorio nacional. Nuestro interés de organizar este tipo de exposiciones es dar cabida a otras formas de interpretación del arte venezolano en los actuales momentos.
Esta muestra reúne a cincos artistas destacados de las artes visuales en el estado Portuguesa, cada uno con su estilo y planteamiento conceptual. El artista Benjamín Arenas inicia su trabajo plástico con la síntesis geométrica del rostro, generando líneas laterales que aprovecha para construir módulos grabados y esgrafiados. Esta técnica permite expresar la visión del hombre con su pareja, su entorno y su ser interior. Además unifica el dialogo entre la talla y la pintura, convirtiendo las piezas en concepto ceremonial.
En el caso de la pintura de José Jiménez nos muestra lo que somos, nos habla de la venezolanidad con su serie topochales. El discurso visual de Jiménez es producto de una investigación profunda y sostenida, dándole valor a este elemento vegetal de las regiones tropicales del planeta. Jiménez lleva más de 20 años elaborando este discurso expresionista, lo ha dicho de todas las formas posibles en el área de la expresión plástica.
Otro de los artitas es Víctor Azuaje el cual nos presenta varias obras muy minuciosa sobre las figuras humanas, son resultantes de un continuo proceso de estudio que se genera a partir de la elaboración de sus dibujos, de tal forma que, estos personajes, algunos hermosos, distantes, hermafroditas, fantasmales y en otros casos deformes e híbridos, definen el carácter simbólico, metafórico y a veces hasta místico que ha alcanzado Azuaje en su devenir por las sendas del Arte Contemporáneo.
El creador Engelbert Peña muestra una serie de obras que reinterpreta varias visiones de los textos bíblicos, inscripto en una configuración modular sobre un mismo plano, resuelta con colores planos y vivaces, figuras demarcadas en una particular simbología. Además Peña recrea y unifica lo imaginario religioso donde la interacción entre arte, fe, forma e idea es lo más importante.
Por otro lado el fotógrafo Juan Mogollón, nos presenta una importante expresión emergente de la fotografía contemporánea venezolana. Líneas y texturas consiste en una selección de imágenes en las que el punto de vista del autor permite elaborar una reinterpretación de los elementos registrados donde composición y combinaciones cromáticas nos llevan a una aproximación a las artes graficas contemporáneas.
Nuestra institución desea asimismo expresar su especial agradecimiento al Instituto de Cultura del Estado Portuguesa y al artista José Jiménez por permitir realizar esta exposición en nuestros espacios.
 

Esta muestra de la colección del Museo Carmelo Fernández suma y resta las ambigüedades y conflictos intermitentes entre voluptuosidad, éxtasis, belleza, placer, sacrificio, trasgresión, religiosidad y emoción sensual del cuerpo que no tiene límites para los artistas plásticos desde inicio de la creación del hombre.
El cuerpo como convención, como signo que se mimetiza con los cánones del ideal clásico. La búsqueda de una belleza canónica tuvo en el arte renacentista su momento histórico e importante, favorecido por los acontecimientos de la concepción humanista.
El interés de los artistas se inclina hacia la gran tradición del arte como es la pintura alegórica y la pintura histórica por medio de la expresividad de la plástica clásica, basta con señalar la gran variedad de técnicas concebidas para el cultivo y realce de la belleza corporal.
Por tal motivo es de suma importancia mostrar al espectador esta exposición que reúne un grupo de piezas, que expresan las distintas visiones de los artistas plásticos sobre el estudio de la forma del cuerpo, como un símbolo de expresividad emocional y creativa. Toda representación plástica de la figura humana debe estar correctamente proporcionada en el plano clásico, pero en el arte contemporáneo estos elementos desaparecen o pierden importancia para el creador, porque es la expresividad y la gestualidad la protagonista del escenario.
Esto quiere decir que el uso de  los motivos grotescos y antiacadémicos están presente en la pintura occidental y especialmente el cuerpo como tema, esto va ha tener un incremento muy notorio entre los siglos XVIII y XX. En realidad la cultura artística y visual se caracteriza por la existencia  de diversas  estéticas que van desde el romanticismo, realismo, impresionismo, postimpresionismo, expresionismo, entre otros, que coinciden en separarse del modelo académico.
Por lo tanto esta exposición muestra en mayor o menor escala los signos expresionista, donde la figura corporal se presenta como un elemento relevante para el artista, es desde las premisas académicas de exactitud hasta la fragmentación de las imágenes, la ambigüedad entre fondo y forma, lo bello y lo feo como mecanismo estético, nos llevan a ver como los cuerpos se descoyuntan y retuercen negando sus modelos, la cual no es por falta de oficio, sino por la expresividad de las emociones sometidas por el creador, abandonando su visión perfeccionista de la figura corporal, re-figurando su alma sobre el plano.
En el fondo  la perfección del cuerpo, tanto en la vida, como en el arte, no es más que una visión del hombre que encuentra su paradoja en la belleza estética de modificar o transformar sus cuerpos a través de tatuajes, implantes, perforaciones, suspensiones, entre otros. [1]
 
[1] Félix Suazo; Re-Figuraciones. Catalogo. Caracas. 1998. P. 25/26.

Es imprescindible hacer notar que en estos dibujos y pinturas de Edgar Giménez Peraza han sido asumidos con toda la entereza del género debido a una razón fundamental: el dibujo para este artista no sólo tiene el carácter de una necesidad ineludible de orden visceral o estético, sino la impronta permanente de una “pobreza”; que él llega de pronto a pensarla como congénita a su vida y a su obra. “Ella me persigue como una fatalidad”, llega a confesarnos. Pero esta pobreza material no es un valor en sí mismo en su quehacer, ni toma corporeidad e importancia por su contenido social o existencial. Lo importante es lo que hace este artista con su “pobreza” de medios y recursos.
Esa pobreza lo lleva a dar al dibujo su más alta expresión como género y su más rica complejidad, haciendo de él un espacio puro en el cual percibimos unas veces una mínima expresión de líneas y puntos en el plano, otras veces un espacio complementario a través del cual son absorbidas las diversas formas pictóricas y objetuales. Pero lo importante es que allí, en ese espacio, se ha hecho un lugar de reflexión y de intensa inteligencia, configurando una suerte de sintaxis límite del dibujo.
Lo antes dicho se hace bastante notable en la producción de los últimos trece años, pues, antes del lapso de 1981 - 1993 que abarca la muestra antológica que aquí presentamos, en la obra de Giménez Peraza predomina un marcado acento por una sicología de la figura, la que en el período señalado rompe sus marcos tradicionales y su rígida confección para adentrarse en una espacialidad reflexiva y altamente conceptual.
En este período no existe ningún elemento que no sea problematizado y sostenido por una inteligente plasmación del medio y el método, en la que lo artesanal ha sido llevado hasta sus últimas consecuencias, y en el extremo de la extinción comienza un “topos” que en lugar de afirmarse la operación figurativa, más bien comienza su inmersión en un proceso de desdibujamiento, y de aquí mismo la exaltación de este artista tanto por un imaginario puro de la línea y el punto como por un lugar absoluto y combinatorio del negro y el blanco. Nada se ha dejado al gesto automático y a lo maquinal. Tampoco se ha abandonado a la destreza técnica que enrevesa el espacio de una aparente complejidad mental o material.
Muchos de los trabajos de este artista engañan en su aparente simplicidad o por su magistral ejecución del acabado, pues, entre sus intersticios, late una energía vital organizadora de un orden visual e imaginario que nos propone otras maneras de percepción a través de una conceptualización constante de la forma y la materia.
No hay en la obra dibujística de Giménez Peraza (su obra de los últimos años) ningún elemento librado por gratuidad. Cada uno de sus dibujos emite: un juicio sobre sí mismo como espacio de suma problematicidad gráfica; o emite, también, un señalamiento para develar la obra de otro artista clásico o contemporáneo.

“La esencia del ser humano”, esa inquietud que poseemos y que trasciende los límites del pensamiento, una herencia que transmitimos y dejamos como legado; una búsqueda desde lo interior hasta lo exterior. La forma en que venimos, de dónde venimos, quienes somos y en que nos convertimos, la manera de pensar y del plasmar nuestra originalidad.

Esa es la base de estos diez artistas contemporáneos con ideales transcendentes que exteriorizan  una visión peculiar de esa “esencia”,  a través de diversas  perspectivas y tomas de espacio, con particularidades determinadas dando una materialización de cada ideal mediante  una misma alineación.
​
Margarita Silva su propuesta llena de linealidad y dinamismo transmiten la diversidad del sentir a través del  reflejo corporal, representando las diferentes emociones. Doménica Aglialoro, su obra está teñida de una profundidad que se dirige a lo arquetípico, a las atmósferas profundas del sentir, en las que lo orgánico, lo corporal, es evidencia de una existencia que se decanta en alma su indagación de los elementos que conectan cuerpo, pasión, vida y alma. Gustavo Zajac, Harry Schuster y  Doménica Aglialoro, la combinación entre lo femenino y masculino a través  de la representación de los órganos reproductivos, tocando un punto  importante de la vida del ser humano como lo es su sexualidad e identidad sexual, dando un rompimiento de las bases establecidas. Araceli Roldan, su obra se basa en el cuerpo como un conjunto, dando al espectador esa connotación de unicidad y armonía, ese enlace de un todo de la sociedad mediante  la creación y formación natural sin distinción alguna. Edith Osorio, la masculinidad  como elemento trascendental, su obra representa la virilidad, la creación y lo orgánico, la sexualidad a su punto máximo, esa integración  de pene-hombre como estereotipo que juegan un concepto en la formación social. Jorge Luis Lara el establecimiento de la belleza femenina a través de su desnudo, mostrando el cuerpo como un elemento y código natural para trasmitir un lenguaje a su contexto. Joel Pacheco. El Gallinero, espacio  de calidez, nacimiento y memoria familiar. “gallinero” que se transforma en metáfora  y  casa-hogar del artista como si este fuese  el  espacio del  taller donde nace la obra. La tela metálica se convierte en formas, tramas, composición y texturas, cubriendo el volumen de “huevos” que evocan vida y fragilidad de seres vivos que se gestan en el mundo objetual de la creación artística. Ernesto Carballo. Presenta ese punto clave de la humanidad, una transición de la humildad a la banalidad, un enfoque de llegada que proviene a través de su recorrido ese punto de  contrariedad entre el poder y pobreza. Mario rico. El reflejo  de la transformación  hombre a mujer, ese proceso de formación de la sexualidad y su identidad desde su naturalidad o su alteración física  ( el que nace y el que se hace ), el cambio del ser humano a través del cambio clínico, por la falta de aceptación social. 

Las pinturas de José ¨Cheo¨ Pérez,  este extraño personaje, nuevamente redescubierto y reivindicado en esta exposición, son realmente excepcionales, muy excepcionales. No en el sentido en que sean superiores a las de los demás pintores venezolanos, en su calidad artística. Son literalmente excepcionales (es decir, fuera de lo común) porque no se parecen a ninguna otra pintura. No tienen ningún parecido con ninguna otra pintura. Aunque tampoco se trata de que todos sus cuadros sean iguales entre sí, o muy parecidos entre ellos mismos. Lo que sí es igual es el tipo de cuadro, el modelo, el tipo de representación y el modo de representar. No desde el punto de vista de la iconología o la iconografía, las relaciones entre sus partes, sus métodos de análisis, etc., sino en su idea de lo que es una pintura y como se comunica uno con ella.El sistema artístico del ¨Cheo¨ Pérez (¨sistema¨ como praxis, como método y procedimiento acostumbrado) parece esencialmente espontáneo, pero es conciente y nunca deja de estar construido y controlado por la conciencia, por el orden de la conciencia voluntaria. Una pintura del ¨Cheo¨ no es una creación meramente intuitiva y sensible, aún cuando a veces lo parezca. Siempre conserva una ¨inteligencia¨ de sus creaciones, de su lenguaje, que nunca pierde ese lado conciente y voluntario de su control. Sin fidelidad ni rigor me apropié de algunas reflexiones de Guillermo Sucre (¨La Máscara La Transparencia¨) sobre textos de Ramón López Velarde. A pesar de haber pintado muchas veces sobre cartones y láminas recogidas en la basura, no como una travesura sino como una necesidad por la falta de materiales y de dinero para adquirirlo (ya no lo hace), ¨Cheo¨ Pérez nunca dejó una obra suya sucia, descompuesta, desordenada. A veces esperaba algún tiempo para conseguir algún color, cualquier color, que de inmediato sabía armonizar con el resto de la obra. ¨Cheo¨ es un artista inteligente, sobre todo sensible, pero no es un hombre culto, de libros, de teorías. Sabe ver las obras de arte pero creo que nunca se planteó la  necesidad de aprender a investigarlas, estudiarlas, etc. Tal vez para él las supuestas leyes del arte no existen (en ésto sí tiene razón). Lo que sí ha logrado es mantener su libertad de creación, su autonomía, su independencia.  Lo que encontramos en las obras del ¨Cheo¨ Pérez, no es el testimonio de algo real, que haya ocurrido o que le esté ocurriendo. No es la representación de sucesos, de situaciones vividas realmente por el autor. Ni siquiera imaginadas por él. Es una irrealidad inventada por su fantasía.