Asumiendo los cambios que nos toca vivir en la época actual, este taller de Arte Experimental de la Universidad Centro Occidental “Lisandro Alvarado”, esta enfocado hacia la búsqueda de la libertad de expresión plástica, a través de la sensibilización y el conocimiento de los elementos de expresión en concordancia con el discurso que cada uno quiere exponer, mediante el recurso de la diferentes propuestas en proceso de maduración.

En ellas las imágenes que motivan a la creatividad, están sujetas a una contemporaneidad que puede parecer confusa, por lo cual a veces cuesta descifrar los significados, haciendo así al objeto artístico un elemento valido “Per se”, aislando de referentes físicos.

Esta muestra es el producto de la función del lenguaje oral y escrito con el lenguaje plástico, en un proceso experimental, lo cual permite crear imágenes reales, conceptuales y virtuales dentro del espacio bidimensional y tridimensional de la pintura y la escultura.

                                                                                      Cristina Moncada

Artistas:
Froilan Ortiz, Ángel Sequera, Barabara Bolívar, Alirio Fernández, Giovanni Di Rosa, Damisela Quevedo, Lewis Chávez, Manuel Pérez, José David Vásquez, Mirdza Sánchez, Lidia Molina, Rafaela Gonzáles, Andrea Rivas, Antonio Gutiérrez, Eneis Pérez, Heliopolis Castillo, Jorge Montes, Juan Graterol

El Museo Carmelo Fernández presenta la muestra “Proyecto Velada de Santa Lucia” dirigida y creada por el colectivo “Tres potencias”, integrado por: Michelina Farruto, Patricia Proaño, Juan Carlos Urrutia, Juan Carlos Velásquez y Dixon Calvetti.
En esta oportunidad se funcionaron dos experiencias expositivas realizadas en el año 2010-2011 en los espacios de la Velada de Santa Lucia en la ciudad de Maracaibo-Estado Zulia. Confrontación artística que se viene realizando hace más de una década por la artista Clemencia Labín. Se tuvo como punto de partida la iconografía de “Santa Lucía Mártir”, La mirada y la luz juegan un papel importante en la exposición, ya que esta se relaciona con la mirada interna y externa del SER MUJER, y sobre todo los rituales cotidianos que ellas realizan como “castigo” ante el dominio de una sociedad conflictiva; rituales domésticos como: lavar la ropa, pasar coleto, cocinar y fregar los platos forman parte del arquetipo del sacrificio, que convierte a la mujer en la “Santa Mártir” victima del poder y las leyes desequilibradas que han regido nuestra sociedad.
En esta muestra confluyen un compendio de medios mixtos que materializan los conceptos arriba mencionados como lo son: Fotografía, el videoarte, la performance y el objeto seriado, en una totalidad instalativa que nos envuelve a través de la LUZ en sus distintas variantes morfológicas.

La montaña de Sorte, que se eleva robusta desde el borde de una llanura que la circunda por su estado norte, ejerce un magnetismo que conduce al visitante  a desandar pasadizos hacia aquellos tiempos iniciales que han dado forma y sentido a nuestra historia. Se suceden allí con claridad escenarios alternados –a manera de eslabones entrelazados que dan estructura a un relato cultural- hacia los orígenes de las complejidades de nuestro acontecer común en este rincón del mundo donde las encrucijadas de caminos se convierten en convergencias humanas.

Este exuberante bosque primario del estado Yaracuy, cuyo paisaje vigoroso simboliza en alto grado el deslumbramiento de la tierra americana, ha guardado en la geografía venezolana un revelador espacio de decantación  de la identidad nacional. Tambores de tonos bajos que retumban en la selva acompañados por repiques asincopados sobre la madera de los cumacos y las agudas notas de las pailas que vienen de lejos, propician atmosfera de encuentro intercontinental, primitivo, religioso, espiritual. Quien convoca ese encuentro fecundo y permanente, de por si fascinante, es la Reina María Lionza, guardiana de la naturaleza e imán de ámbitos telúricos inscritos en la prolongación de la vida asociada a la justicia.

El fotógrafo Gustavo Marcano ha sido uno de esos privilegiados a quien le ha sido encomendado develar, desde el año 2004, algunas capas de ese relato que se manifiesta en Quibayo y Sorte a través de la fotografías documentales de su autoria presentes en esta exposición, resultado de un trabajo  de edición y desarrollo conjunto. Varias circunstancias han coincidido para hacer de este proyecto una celebración. Entre ellas, inaugurarlo en el Museo Carmelo Fernández de San Felipe en Octubre del año Bicentenario, dando inicio a su itinerancia por varios museos del país; la participación activa y generosa de la Gobernación del estado Yaracuy a través de la corporación Yaracuyana de Turismo (CORYATUR), hermanando turismo, cultura e identidad; el texto de investigación escrito para esta ocasión por parte del profesor Orlando Barreto, inserto en la necesidad de divulgar el mito de María Lionza como parte del imaginario venezolano; el apoyo de la Fundación Museos Nacionales (FMN) para cristalizar proyectos expositivos en diversas regiones del país; y la anuencia de Gustavo Marcano en donar todas las fotografías aquí mostradas a la colección FMN, custodia Museo Nacional de la Fotografía (MUNAFOTO), constituyéndose en patrimonio visual del país.

                                                                                   Rodrigo Benavides
                                                                                       Director General
                                                             Museo Nacional de la Fotografía.

La presente muestra propicia un reencuentro más integral con la producción creativa de esta artista a partir de una selección de trabajos diversos y poco conocidos por el público, realizados en la última etapa de su trayectoria. Se han reunido algunas pinturas, objetos y un número significativo de obras sobre papel y así como algunas piezas en materiales poco convencionales, que convocan el diálogo entre la expresividad lineal y el colorido pictórico, desde una perspectiva simbólicamente híbrida y menos apegada a la narratividad figurativa.

Durante su trayectoria artística, Elsa Morales creó una amplia poética sobre la fraternidad que comenzó en los años sesenta con el registro de las contradicciones sociales de la vida urbana, para luego incorporar un imaginario más íntimo relativo al amor y a la sensualidad, representado por alusiones eróticas de la relación de pareja, a través de una interpretación muy particular de la pareja bíblica, o del imaginario femenino que incluía el desnudo o un universo íntimo asociado a la naturaleza.

Así mismo para esta exposición se han seleccionado especialmente piezas de su última etapa, que representan una síntesis expresiva donde el paisaje, las flores, las aves y la figura humana experimenta una hibridación orgánica que responde al impulso de la artista por enunciar el sentido erótico de la pulsión femenina ligada a la naturaleza. Esta feminización  de la cultura se relaciona con el deseo de transformación social experimentado  colectivamente en nuestro país durante la ultima década. Algunos rostros entrelazados con pájaros y flores en un torbellino lineal expresan la pasión por representar el sentido amoroso de la vida, donde convienen los sujetos con la organicidad natural. De manera desenvuelta , Elsa Morales fue incorporando textos  que se relacionan con su practica poética y, tal vez proponérselo, estaba enunciando un distanciamiento con las características de la estética llamada “popular”, mas orientada a crear iconografías tradicionales relativas al paisaje local y a mitologías históricas o religiosas.

Es posible que el papel, de formato más manejable, le haya ofrecido a la artista más libertad de acción para explorar esa síntesis de las formas que en muchas ocasiones incluye textos amorosos, estimulando un diálogo entre la imagen visual y el texto. Además, en estos trabajos, lo figurativo y lo abstracto se muestran imbricados en una discursividad orgánica que redimensiona su propia narratividad, por lo cual, se apunta a una metáfora de la sensualidad discursiva, en la cual predomina la gestualidad.

Este acercamiento a una faceta poco conocida de la obra de Elsa Morales responde a la necesidad de mostrar esa pasión por la vida y esa pasión por el arte que la impulsaba constantemente a experimentar en el campo de la representación, sin desligarse de sus sentimientos y reflexiones, desplazándose por la visualidad pictórica, la trama dibujística, la palabra poética, la realización e intervención de objetos de uso cotidiano, o de ensamblajes con evidente tono político. Para Elsa Morales, la experiencia artística era vivida de manera integral y, por ello, no hacia distinciones entre géneros artísticos y tampoco diferenciaba la vivencia poética de la cotidianidad.

A lo largo de los años ha sido evidente la extinción de salones, bienales y festivales de artes en nuestro país, en muchos casos por la falta de apoyo de las instituciones, existiendo además una discontinuidad al trabajo laborioso de los organizadores, lo que ha traído como consecuencia la falta de eventos que permitan conocer las diversas propuestas artísticas en el estado Yaracuy.
En tiempos de escasos estímulos hacia las artes visuales, por la ausencia de confrontaciones de artes, la alcaldía del Municipio San Felipe a través de la Dirección de Cultura y Esparcimiento, asume el reto de organizar un evento artístico donde se den a conocer planteamiento, ideas, conceptos y discursos plásticos, representando para esta institución, la gran responsabilidad de dar continuidad al Festival Municipal de Artes Visuales, institucionalizándolo y convirtiéndolo en referencia regional.

Atmosferas Lineales es el punto de partida para hablar del mito de las formas geométricas, esas que han formado parte del lenguaje artístico “universal”. En este caso  podríamos mencionar palabras claves como;  luz, líneas, ritmo y movimiento, como los elementos plásticos que protagonizan la experiencia estética en una totalidad discursiva, en la que se ven involucrados  espacio  y  espectador.

Estas proyecciones son materializadas a partir del encuentro con el boceto a mano, que se va transformando en el proceso de investigación con medios gráficos de distinta procedencia, así como lo plantea el mismo artista cuando dice: “La memoria fragmentada se conjuga con el trazo para presentarnos una visión del recorrido y la experiencia del sujeto”.

Contemplar las composiciones realizadas por el autor nos invita a sumergirnos en el apasionado y complejo universo de la video-creación, donde el uso de lo digital, no solo es un fin en sí mismo, sino una metáfora que nos susurra e invade los sentidos de nuestro SER.  

El mito de las formas geométricas aparece y desaparece ante nuestra mirada inquietante, el loop del video es indefinido, como la creación artística, las atmosferas lineales nos envuelven y nos miran continuamente, de allí el misterio de la imagen.

                                                                                           Dixon Calvetti

                                                                                   Apertura: 05-08-2011
                                                                                  Clausura: 05-09-2011

Pasamos por el túnel visual donde las poéticas ya no pertenecen a una sola corriente o movimiento plástico. Bajo esa ruptura convencional, nacen las obras construidas desde un planteamiento subjetivo. Es así, como se inserta una muestra de los artistas docentes y de nuestros invitados Especiales, a discursos que confluyen con las estéticas permeables de la posmodernidad.

Tras una innegable influencia histórica, observamos como brota la transdisciplinariedad en el imaginario plástico, que evoca otros lugares, a veces íntimos y otras veces dialogando con el espacio.

Aquello que se vuelve
20 Inclasificable 11
se convierte en un detonante
de significaciones contradictorias
por naturaleza

Desde la mutación discursiva todo vale pero debe estar bien hecho, a tal punto que manejamos metáforas visuales y como si fuéramos unos ilusionistas proyectamos lo que somos y lo que no somos en un juego de alteridades.

La luz de hace cinco minutos ya no es la misma que se proyecto en el patio de cemento, pero quedo grabada en la memoria, como si constantemente estuviéramos tocando la puerta con los ojos. De este espacio también salieron cangrejos y una liebre que vino a visitarnos, para explicar las mutaciones estéticas del arte contemporáneo.

                                                                                   Apertura: 10-06-2011
                                                                                  Clausura: 10-07-2011

Ciertamente, cuando leemos el planteamiento que hiciera el critico suizo Bodmer, en 1741, lo asociamos a la propuesta pictórica que presenta David Cedeño, quien mas allá de crear imágenes en el lienzo, concibe una suerte de universo onírico integrado por personajes atípicos que habitan en una dimensión zúrrela, etérea, un tanto recreada y reinterpretada, dialogando en un mismo plano cromático conjugaciones que, según el propio autor, derivan de dualidades humanas y, en ese sentido, las escena representadas pudieran resultar un tanto ilógicas e inverosímiles e impresionantes y poéticas. Dualidades que para Cedeño representan posibles respuestas a interrogantes existenciales tales como: la vida y la muerte, la alegría y la tristeza, la credibilidad y la incredibilidad, la compañía y la soledad, la bondad y la malignidad, lo finito y lo infinito, lo celestial y lo terrenal, lo saturado y lo vacío, entre otros aspectos que develan el sutil discurso irónico visual de Cedeño, ante lo absurdo. El grupo de obras en su totalidad ejemplariza el mencionado planteamiento.
Valiéndose de un lenguaje visual neofigurativo, de corte ingenuo y de contenido expresionista-simbólico, el mencionado artista conjuga en su obra estereotipos, iconos y mitos que en algunas ocasiones evocan discursos formales de maestros de la historia del arte universal, tales como: Jean Antoine Watteau (1673-1721), Marc Chagall (1887-1985), James Ensor (1860-1949), entre otros artistas. En ese sentido, en las obras que conforman la muestra Testigos Etéreos. Obras de David Cedeño, se parecía la combinación de distintas corrientes artísticas, materiales y técnicas en un mismo plano compositivo, conservando su propia naturaleza expresiva. Merece destacar las imágenes recurrentes en el conjunto de la muestra, como son figuras humanas y animales de forma esquematizadas, aladas y suspendidas, criaturas espectrales  y mitológicas, especimenes extraños, distorsionadas e indefinidas, de apariencia mortuoria, resultado del discurso formal de contrates y conjugaciones de elementos visuales, expresados mediante gestuales pinceladas, gruesos trazos, intensas manchas con óleo, guesso, pasta acrílica , acuarela, marcador, creyón y grafito, confiriéndole a la superficie de las obras suaves, pastosas y rugosas texturas interesantes relieves. La obra Autorretrato con mi dama ausente, 2008, ejemplariza lo comentado.

La incorporación en la superficie pictórica de figuras dibujadas y de frases escritas alude lo caligráfico y evocan la intención caricaturesca del discurso formal propuesto por Cedeño, así como también son evidentes las onduladas líneas, las insinuadas transparencias y las sugerentes veladuras en las obras Dormir el sueños de la manzanas, 2008 y la boda, 2008.

Salta a la vista la yuxtaposición de tonalidades claras y oscuras en la superficie de las obras, sugiriendo espacios cálidos y fríos. Igualmente, es merecido resaltar el tratamiento paisajístico y los espacios constelados en los fondos de la superficie de las obras tales como La Catedral sumergida, 2008; Asimismo, se distingue el tratamiento simultaneo de imágenes en el fondo de la superficie pictórica, sugiriendo distorsión y duplicidad en las figuras representadas, como una suerte de reflejo o posible paridad existencial, lo cual se hace evidente en Mi extraño pasado, 2008; Los Corazones de los niños, 2008, y El arlequín y su dama, 2008.

En sus representaciones prevalecen escenas de parejas de enamorados, doncellas y bailarinas, personajes enigmáticos, misteriosos, recubiertos de una atmosfera teatral como en Los versos, las épocas lejanas, 2008; Personaje con mascara y su niña loca, 2008; la boda, 2008, y Sin titulo, 2008.

Esta muestra, en su conjunto, invita a descifrar la particular iconografía de Cedeño, con la que este construye su discurso visual, quien, además, en su carácter de Arlequín, comparte escenas con personajes que fungen como testigos de su onírico universo.
                                                                                                  Rosa Lira

El ser humano tiene una necesidad consiente en la búsqueda de su origen y de su identidad, básicamente a preguntarse quien es y a donde pertenece. Encontrar esa unidad primordial de cada cosa, expresar esa esencia presentándola con formas y materiales sensibles, constituye para los artistas, un lenguaje plástico que manifiesta una experiencia real de su identidad, de su origen o del ámbito con el cual se relaciona.
Las obras de esta exposición son testimonios de esa relación íntima del artista con su esencia. Consientes o no de ello, los artistas de esta muestra reflejan en sus obras. Un impulso que proviene de expresar sus mundos interiores, sus intimidades, aquello con lo cual se identifica, lo que aman o quisieran hacer propio. No se limitan a reproducir su visión de lo externo que tienen ante ellos, si no que trasciende sus contenidos descriptivos para conferirles un carácter simbólico, tratando de explorar en las esencias o los orígenes, de quienes son o de donde vienen.Antoine Saint-Exupery nos dice en el relato El Principito, a través del personaje del Zorro que “lo esencial es invisible a los ojos”, refiriéndose a que comúnmente las personas nos conformamos con la apariencia externa y no percibimos el núcleo fundamental de aquello que no se presenta ante nuestra vista. Por el contrario las obras de estos artistas lo hacen evidente. Es así como objetos de uso común, paisajes cotidianos, o piezas recolectadas se convierte en objetos plásticos, cargado de identidad y simbolismo, aproximando al espectador a los artistas creadores de estas obras.
Ellos, trasformando la diversidad de materiales que llega hasta sus manos, realizan estructuras y composiciones, algunas en formato pequeño, para así mostrar al espectador avisado esa esencia oculta bajo una realidad aparente, ya sea de un paisaje urbano, o de un paisaje rural, o de personajes u objetos que cobran una identidad propia y especifica.
En esta exposición estos artistas inducen al espectador para que sintonice con ellos y alcance esas esencias, haciéndole sentir como si a cada obra habría que mirarla con el corazón.

                                                                                       Belkis D´ Andrea
                                                                                                          2011 

                                                                                     Apertura: 08-04-201
                                                                                  Clausura: 15-05-2011

Después de 28 años en la docencia secundaria, me retire y me dedique  a viajar que dio como resultado escribir tres libros, sin dejar de practicar la fotografía que siempre ha sido mi pasatiempo favorito.

Este trabajo de fotografía se lo he dedicado a la naturaleza, especialmente al jardín y su entorno, mi atención se ha enfocado en flores, frutos, animales, orquídeas, mariposas y paisajes.

                                                                                  Consuelo Tarazona

La selección realizada para exhibir  una muestra aleatoria de obras de la colección del Museo “Carmelo Fernández” como pretexto al tema de la mujer, nos condujo a una lectura donde lo que se plantea es una aproximación que trasciende lo puramente iconográfico, con dos visiones sobre lo femenino.
Por una parte, hay mirada externa del hombre como pintor, que posa su mirada penetrante en la modelo o en la  representación de la figura femenina, y al hacerlo exhibe una característica de la virilidad que persigue seducir a la mujer, quien a su vez, busca merecer esa mirada.
Incluso si no hay una imagen explícita de la belleza femenina,  el artista tiende a representar en su obra una  mujer de acuerdo a  sus propias concepciones de lo que según él, definen lo femenino. Bajo la percepción desde una perspectiva masculina, aunque en la obra se haya podido reflejar un atisbo de la interioridad de las mujeres y sus deseos, esa representación de lo femenino, no puede prescindir de la imagen de un cuerpo, un cuerpo desnudo frecuentemente.
Es muy difícil para el hombre escapar conscientemente de los paradigmas de la sociedad donde el rol masculino activo  tiene preeminencia sobre el rol femenino pasivo, y quiéralo o no, esas ideas se dejan colar en su obra plástica.
Pero desde hace tiempo, la mujer viene planteando contra ese estado de cosas una lucha continua por tener un papel más activo en la sociedad moderna, que se ha materializado en una auténtica revolución social en el hemisferio occidental con un protagonismo que viene en franco ascenso a partir de la segunda mitad del siglo XX. Ese papel de la mujer en la sociedad que hoy día se está gradualmente aceptando como normal.
Esta revolución se refleja también en las artes plásticas, pues con sus movimientos de vanguardia,  la mujer se libera del ámbito donde ha pretendido circunscribirla la sociedad  tradicional.
Entonces, la otra mirada sobre la presencia femenina en  las obras de la muestra, viene desde adentro, cuando la artista es mujer. Allí se exhibe un lenguaje plástico sugerente y provocador, vinculado a los cambios sociales en los que la mujer viene adquiriendo inexorablemente mayor libertad social, comenzando por sí misma y por su propio cuerpo. En esas obras, la feminidad va más allá de la simple idea de la belleza o de la sexualidad, y aparecerá más claramente la creación de un lenguaje simbólico, referente propio y secreto de su erotismo, de sus formas cóncavas y convexas, de sus  vivencias y procesos, en una exploración alrededor de de su interioridad.
Los artistas tienden a utilizar  el hermetismo de sus símbolos como una forma para develar públicamente, pero de manera indescifrable, episodios íntimos de su cotidianidad.  Es así como exorcizan, en la obra, sus  traumas u obsesiones con un lenguaje secreto que las protege y también les permite liberarse.

                                                                                       Belkis D’ Andrea
                                                                                                          2001


                                                                                   Apertura: 18-03-2011
                                                                                  Clausura: 24-04-2011

Jacobo José Ramírez Moncada y Jacobo José Ramírez Lanzarote...dos generaciones enlazadas por un tiempo distante y espacios lejanos. El primer Jacobo, el Ramírez Moncada, es el nieto y el segundo, el Ramírez Lanzarote, es el abuelo. Ambos confirman el proverbio que señala que "... de tal palo tal astilla." Artistas ambos por vocación, sensibilidad y herencia, ambos volcados en la pintura y el abuelo concentrado en el quehacer teatral, con el cual sembró escuela en muchos lugares de Venezuela y se enraízo en San Felipe.  
El Museo Carmelo Fernández ha querido sumarse a esta propuesta del nieto, recién llegado de allende los mares, desde las altas tierras donde habita desde hace quince años, donde aprendió a endulzar la dureza del habla criolla con el acento apasionado y amoroso de las Galias; a esta propuesta digo de recordar y halagar al abuelo, al que siempre se recuerda como ameno, risueño y contador de historias. Oportunidad única para  reunir a la familia, múltiple y colorida, calida como el afecto que Ramírez Moncada se empeña en mantener y trasmitir  en su hablar, en su discurso a veces vacilante y en su pintura, multicolor y plana, definida por los negros y avivada por el chispazo de múltiples colores que, como fuegos de artificio, estallan y vivifican los recuerdos.

                                                                             Rafael Principal Torres
                                                                                        San Felipe 2011

El Centro de Historia del Estado Yaracuy y el Instituto de Cultura del Estado Yaracuy presenta la Agenda 2011; publicación dedicada al año Bicentenario, en la cual la historia y el arte se funcionan de manera armoniosa; brindando al lector la oportunidad de hacer un recorrido por el hecho histórico, interpretando en esta ocasión por un grupo de artistas yaracuyanos que, amablemente, acudieron al llamado que les hiciera el Centro de Historia del Estado Yaracuy.
Los artistas Hugo Álvarez Yánez y Leonardo Tezara crearon en su obra la presencia de los habitantes originarios y abordaron la resistencia indígena; Antonio Oropeza F. y Sergio Rivero, recrean la resistencia africana. Veremos la majestuosa representación de Francisco de Miranda, elaborada por Wilkar Ríos, se incluye, igualmente una bella imagen de la Plaza Mayor de Caracas para 1810, a cargo de Rosa Ortega, que nos traslada a esa apacible ciudad, testigo de reuniones clandestinas y movimientos autonomistas; (…) materializados el 19 de Abril de 1810 (…) cuya ejecución correspondió a Radamés Laerte Giménez. Una replica del cuadro de Arturo Michelena, realizada por José Uranga, deja testimonio de aquellas – tantas – reuniones previas en la que se discutía el destino de la Patria; y luego, con la imagen que el Artista Francisco Suárez, hace del abogado sanfelipeño Juan José de Maya, electo Diputado del Congreso como representante de Yaracuy; (…) al igual que con la obra ilustrada por Felipe Guevara, a quien correspondió plasmar al Padre Manuel Vicente Maya, que consideraba no era este el momento oportuno para que se diera la separación de Venezuela del sistema colonial español (…). En el collage recreado por el artista Ennio Jiménez Eman, (tenemos) un compendio de imágenes que ilustran el trayecto, así como los protagonistas de hechos y sucesos que precedieron y sucedieron al movimiento independentista. Luego, José Luis Díaz muestra en su ejecución un perfil de Bolívar, en el que, deja ver al hombre, al estratega, al visionario (…) Veremos también, en el estilo particular de Domingo Escalona, a miembros del ejercito patriota comandados por Simon Bolívar, quienes jubilosos celebran el triunfo de tan importante gesta independentista (…) igualmente al pintor Gregorio Ramón Torres J., Representar al Padre de la Patria.

Con esta nueva entrega, rendimos tributo a quienes con su lucha participaron y dieron su vida por la Libertad.

                                                                                      Adriana Cardozo
                                                     Centro de Historia del Estado Yaracuy

Esta obra nace por la situación traumática que están viviendo los indígenas Barí, Yukpa, y Wayúu del estado Zulia con la explotación del carbón por la empresa depredadora multinacional estadounidense brasileña Vale do Río Doce al norte de la tierra de Perijá llamada Socuy. Esta empresa necesita importar combustible fósil, especialmente carbón para sus necesidades energéticas; y para ello deben buscar energía donde es mas barata para llevarla a Brasil a precios competitivos. Esta realidad ha producido la contaminación de la tierra de los indígenas producto de la explotación de este mineral cuando los residuos llegan a los ríos a ser arrojados o arrastrados por la lluvias, pero el problema se agrada cuando estos residuos del carbón contienen azufre que se transforma en acido al combinarse con el agua, lo cual la hace letal para los organismos vivientes que la consumen, destruyendo el ecosistema. Además la deforestación afecta a las áreas circundantes a las fuentes acuíferas, ya que sin árboles y sus raíces para que sostengan el suelo de las áreas vecinas, la lluvia literalmente lava el suelo y la arrastra directamente a causes de ríos y embalses. Desde esta perspectiva queremos hacer una reflexión de lo que está sucediendo en estas tierras de los indígenas del Estado Zulia.


                                                                                Juan Carlos Martínez
                                                                                           Rosa Canelón
                                                                                   Apertura: 21-01-2011
                                                                                  Clausura: 27-02-2001