La niñez es quizás, la etapa más creativa del hombre, ya que no existen cortapisas o censuras a la hora de idear, o de crear. El mundo de la infancia y su visión marcan el inicio del camino en una persona, y mucho más en un artista; así sucedió con Arturo Michelena y por eso el objetivo y la necesidad de esta exposición, es reconocer en la infancia el poder de la creatividad, la espiritualidad y la imaginación de nuestro pintor valenciano.

Arturo Michelena recibió desde muy pequeño el apoyo de su familia en lo referente a sus aptitudes artísticas, y la mejor prueba está en estas obras, realizadas entre 1872 y 1874, donde se valora y conserva lo más sencillo; sus dibujos infantiles, una prueba o testimonio de su inocencia y su imaginación.

Ese genio precoz se manifiesta también en la variedad de los temas abordados, entre los que se incluye lo religioso, lo heroico, las escenas cotidianas, las costumbres de la época, el paisaje, los animales, temas que por lo demás lo acompañarán hasta el final de sus días.

Francisco de Sales Pérez, quien reconoció de manera visionaria el talento del joven Michelena, con apenas 14 años, le encarga la ilustración de su libro "Costumbres venezolanas", publicado en 1877. Temas que Michelena ilustra con un virtuosismo extremo, no exento de ingenuidad y de un humor digno del más grande de los caricaturistas de esa época.

Esta exposición, es la oportunidad precisa para que todos se reencuentren con esa etapa poco conocida de Arturo Michelena, pero sumamente prolija e interesante para todos los venezolanos.

Desde hace casi un año la mesa redonda del apartamento-estudio de Doménica Aglialoro se encuentra abarrotada de platos pintados, escudillas, telas bordadas, objetos en constante mutación, puestos a secar, a reposar, a ser observados y probados por las miradas de tres en ronda. En torno a ella me senté varias veces con Gustavo Zajac, Harry Schuster y Doménica a tomar café o vino y a tramar el hilo de una conversación que buscaba decir un algo, que en la fuente justa de la mesa, desbordada en su imposibilidad de ser articulado. He tenido la fortuna de participar como escucha en la dinámica de este proceso creativo desde sus comienzos, cuando de modo informal y jocoso le participaron a Manolo, en la oficina de la galería Spacio Zero, que montarían otra exposición juntos y de nuevo los tres, que es número de alianzas, de anudamientos, pues son tres las Moiras, tres los monos sabios, las tres Gracias, tres 'las Divinas Personas, las tres Martas, los tres mosqueteros, las tres cabezas del Cancerbero, la Pinta, la Niña y la santa María, el triángulo de las Bermudas, los tres cabritos, el nudo Borromeo, el tema del proyecto siempre estuvo humeante en el centro de la mesa, el escamoso asunto del genero difuso, de los tránsitos del cuerpo ante el ojo y la mirada propia o la ajena; serian trabajados en porcelana utilitaria sobre el blanco virginal de la loza o de la tela, cual doñitas afanadas, masculinas, femeninos, masculinos, femeninas, en labores del hogar, el punto y la costura de las tardes, con el gato moroso explayado entre las piernas y la radio al fondo, en el barro y en barroca lengua hasta tramar todo un elogio a la desmesurada.

Día a día los trazos y sfumatos de las piezas se vocalizaron en una sintaxis que no serviría al sentido, sino al efecto del sentido, como el vapor de la sopera que al ser descubierta ante los comensales nos adelanta los sabores que se avecinan, ubicuas, leves y penetrantes, las palabras anticiparían lo que más tarde habría de convertirse en frágiles piezas para servir viandas torvas. El resultado ha sido esta obra indescifrable y descifrada en el retorcimiento, en la maniera oscura de la filigrana, cocinada al fuego lento en el centro justo de los tres, donde las sombras gravitan. Ahora el ojo del espectador habrá de saborear cada bocado y libar en taza honda sus tibios sabores, acaso masticar alguna piedra que le parta un diente.

"La plástica es un gran gesto que fluye obsesivo hacia el eterno drama del vacío. Pero primero hay que visitar la nostalgia que hay en una hoja de olivo, pisar de verdad en la mugre de las aceras, para poder sentir que el miedo se desplaza imperceptible hacia el dolor o el éxtasis, desde el íntimo color que cada ojo ve, que cada objeto causa en cada ojo(...).

Una obra plástica que no invite a callar es cualquier otra cosa. Este trabajo de Ennio convoca un silencio que provoca a los gritos interiores más profundos. Desde un homenaje a Tápies, Ennio pinta desde sí, desde el desparpajo y la falsa pose de la figura y el dogma, desde el escandaloso o brillante silencio de las agitadas o lúgubres ciudades y pueblos con los que cada quien carga. ¿Acaso dudamos que hay música en lo insignificante? En una brocha amarilla se despierta el recuerdo más azul y más profundo de una serenata que anuncia el sol en un pedazo de ventana que luego de estar casi un siglo esperándola en una bocacalle, fue removida y lanzada a ese particular olvido que las casas viejas suelen mostrar. Un trozo de ventana olvidada pasa a ser un escudo que representa una fuerza a través de un objeto y dos colores que persiguen la emoción de un acorde al amanecer.

Ennio ha visto desmaquillada a la plástica toda su vida porque vive con ella. No permite que cualquiera venga a manoseársela desde la comodidad de la crítica intelectual con sombra de eunuco, esos de segunda mano a los que no perdona Steiner. Superadas las trampas de las vanguardias y todas esas modas y tendencias de las que vive el poder, Ennio se ve en la necesidad de entregar al ojo del ciudadano común que disfrute del silencio".

                                                                                Israel Jiménez Emán

MATERIA COMPULSIVA, nace con la intención de evidenciar un territorio, en este caso vinculado a la memoria geográfica de un grupo de artistas orientales que parten de la experiencia pictórica como medio expresivo para abordar el paisaje. Pinturas que reflexionan desde la contemporaneidad sobre esa tradición expresionista que se hizo tan común en el arte Venezolano a partir de los 80, con propuestas de gran soltura que sobreponen trazos para dibujar el volumen, abordando una gestualidad  recurrente donde lo sensorial  pesa mas que la razón. En esta muestra el concepto de territorio es materializado en un paisaje que se configura desde y para el cuerpo, donde el uso del color se convierte en un síntoma común que deja ver relaciones hombre naturaleza, desde la aridez cromática de nuestros pueblos petroleros, en tonos telúricos donde el color aparece asociado a una estética del desperdicio y la luz en la mayoría de los casos viene desde la materia y la superposición.

El uso de la luz en la producción de estos creadores es discreta, bucólica, como el sol claro y limpio del bajo Orinoco, distinta al cromatismo vibrante del caribe, o a la de un artista que ha nacido en la ciudad y esta signado por el color industrial, aquí mostramos una causalidad que quizás este mas asociada a los genes que a la conciencia. Encontramos entonces en esta colectiva una memoria geográfica que en algunas obras se materializa desde el recorrido corporal, obras que abordan elementos antropomorfos y los desdibujan desde la ausencia, como Vivenes, Mendoza, Mota, Brinnes, Cedeño, Rosas, Caraballo, Beaumont y Ferrer.

Propuestas donde lo corporal se convierte en un conjunto de relaciones biológicas y sensoriales que proyectan las señas del cuerpo sobre el soporte, dejando ver un mapa visual del corpus y el recuerdo de su entorno.

También obras que se acercan a lo geográfico representando fragmentos del referente orgánico almacenado en el recuerdo del artista, donde el paisaje se hace íntimo a la manera de zoom de la experiencia visual, y se configura en manchas y trazos de apariencia  orgánica sin llegar a la representación vegetal, como el trabajo de Tineo, Roca Brito, Parella, Bolívar. Citando a Laborit, podemos entender que esta estética puede ser asumida como “Una ciencia de las estructuras que relaciona los conocimientos”, donde la producción esta signada por la capacidad de percibir, y de traducir los imaginarios y sensaciones que han bordeado la vivencia  del creador.

Este es el caso de Materia compulsiva, donde el resultado es un conjunto de propuestas sólidas que se hacen pertinentes como objeto de estudio si queremos leer la memoria visual de los orientales, obras que construyen territorio como espécimen y expresión de un sistema mas que un fin en si mismas.
                                                                                ROLANDO CARMONA
                                                                              Convenio MCF - UNEY

La Fundación Museos Nacionales, Museo Arturo Michelena, siente gran placer al presentar en los museos del espacio Carmelo Fernández una destacada selección de 28 piezas, las cuales son una muestra ejemplar de una de las obras dibujisticas más completas de nuestra colección, perteneciente al maestro venezolano Arturo Michelena, (Valencia 1963 – Caracas 1898), del que se conoce y se conserva, gran variedad de apuntes, bocetos y estudios realizados a lo largo de toda su trayectoria artística. El artista expreso en cada en cada uno de sus dibujos la finura y delicadeza de sus trazos, imponiendo en los personajes representados  la gestualidad y el dinamismo por parte de la línea, jugando a su vez con una gama de valores que darían l realismo a la obra final.

El dibujo era la base de todas sus creaciones plásticas y el medio por el cual el artista podía ir revelando el proceso evolutivo de la obra, a través de variados apuntes que irían mostrando de manera precisa y detallada las diferentes características, movimientos gestos y perspectiva de la composición, resueltos en series d bocetos que servían de base para la realización posterior de la pintura al óleo, valiéndose d variadas técnicas como el lápiz, el carboncillo, el creyón, la acuarela y la tinta china, entre otros.

Michelena junto a otros grupos de creadores, se formó y consagro bajo la tutela del academicismo, contribuyendo en gran medida, a propagar y reconstruir nuestra historia nacionalista, bajo la égida del proyecto modernizador, propiciado por el gobierno del General Guzmán Blanco.

La fundación Museos Nacionales con el propósito de contribuir a la formación de profesionales del diseño de modas y dar apoyo a las instituciones educativas del área, presenta en el Museo Carmelo Fernández, una propuesta que mediante la exaltación de la forma femenina y sus posibilidades de presentación en diferentes momentos históricos, crean un vínculo real y practico con el tema de confección y del reciclaje aplicado a esta materia.

Cuando nos planteamos hacer una exposición con el nombre de Moda de Vanguardia. Figura, Diseño y Reciclaje, pensamos en la escogencias de piezas elaboradas en base a una propuesta que saliera de lo común, que anunciara el futuro, que hablara de un momento cercano a este tiempo.

Luego, regresamos al origen y preferimos hablar de la vanguardia que ha representado la moda en el tiempo El uso o costumbre que está en boga durante algún tiempo o en determinado país, especialmente en los trajes, los diferentes tipos de telas y accesorios.

“La simetría, ya sea que se defina en un sentido amplio o restringido, es una idea por medio de la que el ser humano de todas las épocas ha tratado de comprender y crear la belleza, el orden y la perfección”. 

Hermann Weyl

La presente exposición, también alberga varias instalaciones interactivas que permiten al público una contemplación más completa al ofrecer espacios que reflejan arte geométrico combinado con sonido e imagen en movimiento, permitiendo al usuario del Museo Carmelo Fernández, contemplar las estructuras geométricas volantes realizadas por esta artista durante estos últimos años.

La geometría nunca ha dejado de estar presente en el arte, por lo que estas formas siempre presentan conceptos creativos y expresivos. Esta muestra, no solamente evidencia la evolución del artista en el uso conceptual y artístico de la geometría, sino que a su vez, está enmarcada dentro de la celebración del 50 Aniversario de la Reapertura de la Universidad de Carabobo y los 116 años de su creación, evento de significativa trascendencia para el país. La Universidad de Carabobo y la Galería Universitaria Braulio Salazar, educando y construyendo ciudadanía a través del arte.

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La obra de Claudia Hakim, y cada una de las piezas que la integran, despierta al instante el deseo de acariciarla y de interactuar con ella; por eso trae a la memoria aquella frase de Oscar Wilde que dice “empezad con la adoración de las formas y no habrá secreto del arte que no os sea revelado”. No cabe duda de que los trabajos de esta escultora, que por momentos se enmarcan dentro de una dimensión épica y que, al mismo tiempo, exhalan una especie de intimidad que subyuga, expresan una concienzuda aproximación a la esencia de la forma, y por lo consiguiente al hecho estético, en tanto demuestran una pluralidad de recorridos por el infinito universo de los materiales que, de cara al observador, sugieren una experiencia plástica cuya potencia, al aglutinar las emociones con los discernimientos, consigue trascender el escueto, y casi siempre pasajero, impacto visual para resolverse en los ámbitos mucho más profundos de la experiencia sensorial que retoza con diversas posibilidades de interpretación. Tal vez resulte pertinente partir de lo atávico para adentrarse en la singularidad estética de una artista como Claudia, quien nació en Bogotá y por lo tanto tiene un profundo talante latinoamericano y por supuesto colombiano, pero cuya formación local e internacional se entrelaza con unas raíces familiares encajadas en el esplendor de un Oriente próximo, singular y diverso.

Si el arte verdadero, como afirmó Jackson Pollok, nace en el inconsciente, la vinculación de Claudia Hakim con el fenómeno plástico no sólo se explica con facilidad, a partir del simple repaso de la mayoría de sus trabajos, sino que puede calificarse de apenas natural. No se trata de una apreciación banal: en esa gramática que ella utiliza y que de manera certera ha ido fraguando paso a paso a lo largo de un recorrido consecuente en busca de la naturaleza de una iconografía propia y de sus atributos. La sensación de hallarse ante una síntesis cultural, que suscita con un simple ojeo toda la obra de Claudia, se acrecienta ante sus esculturas de los últimos tiempos y, sobre todo, frente a esas piezas casi arrogantes, en el mejor sentido de la palabra, que pueden leerse como pieles de reptil pero que si se va más allá registran una forma de simbiosis, por el diálogo que se plantea entre la elegancia y la inevitable alusión a una vida salvaje.

El principio y la búsqueda
De ninguna manera es una coincidencia que Claudia hubiera comenzado su carrera artística en el campo textil y que hubiera realizado, en los primeros años, varias exposiciones de tapices. Es preciso suponer, a la vista de las diversas experimentaciones con materiales, con la superposición de elementos y con una infinidad de miradas angulares que se convierten en el hilo conductor de su obra, que un recorrido sustancioso ha ido llevando a la artista a una permanente confrontación con la textura y a la necesidad de explorarla y de apropiarse de ella. De ese propósito, acaso ancestral, no tardó en surgir el apremio por enfrentarse al volumen y por domeñarlo, lo que equivale a la investigación consciente de un encuentro con otras maneras de tejer. Es natural que la carrera de escultora de Claudia haya sido entonces un imperturbable y afortunado ensayo que no ha dejado de poner en evidencia una urgencia de averiguación permanente y, ante todo, un interés ostensible por apropiarse de todo aquello que resalta sobre el plano y que le otorga a la materia una voluptuosidad que ella convierte en la cómplice de una propuesta estética.

Si a través de las texturas la humanidad, en la antigüedad ignota, descubrió la posibilidad de aproximarse a la belleza y a la expresión individual, no cabe duda de que Claudia, en ese ámbito de telares, de entramados, de hilos y del dominio de un oficio, se acostumbró a convertir la red en la cual se apoya cualquier tejido en una cómplice suya en esa tarea de buscar o, más bien, de hallar una especie de interlineado a partir del cual empezaron a germinar los volúmenes. Al mismo tiempo, descubrió el milagro del relieve gracias a las posibilidades que le otorga una intuición reflexiva o impensada, que liga fuentes tan diversas como el sondeo fenicio alrededor de la transparencia con la tozudez de los orfebres pre-hispánicos en el escrutinio de la armonía.

Un lenguaje a través de los materiales
En una obra que parte de lo textil y se inmiscuye en lo industrial, se presenta además una evidente aproximación a un constructivismo, forjado a partir de esa experimentación y búsqueda de materiales, que la aproxima a los tanteos de los grandes maestros del tema como son los soviéticos Naum Gabó, con sus cabezas, o Vladimir Tatlin con los contrarelieves, e incluso a los planos bidimensionales de Francisco Picabía y a los ensambladuras de Man Ray.

Pero aún hay más: a propósito del uso de unos dispositivos que provienen de la industria, que tienen el valor de módulos en la medida en que pertenecen por si solos al universo de los objetos, la vecindad inevitable con los ámbitos de la industria acercó a Claudia a la enorme plasticidad que le ofrece la interacción de unos elementos inesperados, tornillos, argollas, mallas, cuyo apresto, con un cimbreo de índole una vez más textil, le ha permitido indagar en las inmensas posibilidades creativas que tienen esa suerte de objetos de “Ready Made” suyo y, desde luego, en la modulación como parte de una propuesta estética y, además, en el esbozo de un concepto que trasciende la simple apariencia para resolverse en el planteamiento de unos contenidos frente a los cuales se siente la emoción de estar observando, apenas, una parte de un proceso mucho más complejo.

¿Abstracción o figuración?
Quizá en esa conversación que surge entre lo ilusorio y lo sugerido, en esa capacidad de aludir y de permitir que la imaginación del observador construya su propia definición, reside la esencia del coloquio fascinante e irresoluble que se da entre la fuerza de la abstracción y lo demostrativo de la figuración.

No cabe duda, sin embargo, de que, según se mire, Claudia lee lo que tiene delante y lo transforma en una contundente propuesta plástica que le llega al espectador a través del maridaje de unos elementos, como el cemento, las piezas de resina, las redes metálicas y los tornillos que, además de resultar inquietantes, contribuyen a formular la inalienable paradoja que se da en entre lo formal, la síntesis o la abstracción, y la intención del artista.

En los trabajos más recientes, en cuyo desarrollo ha empezado la artista a bordear una monumentalidad casi titánica, en las pieles de reptil que admiten una lectura mítica o cotidiana según se miren, se pone en evidencia un matiz singular que, si bien cubre el desarrollo creativo de toda una vida, adquiere en un relieve poco común: se trata de la evidente aproximación a un contenido poético en el cual, al fundir lo que en esencia es industrial con la representación de una naturaleza descomunal, se descubre un sentido figurado no sólo por la interacción del movimiento y de la textura sino por la evidente alusión que realiza la artista a una subordinación de lo industrial y hasta cierto punto mecánico con la naturaleza.

"Bolívar: Paisaje Cultural y Ciudad de la Memoria",  un conjunto de piezas que reproducen planos, mapas, manuscritos y  textos muy diversos sobre la importancia de la capital del estado Bolívar y del área geográfica delimitada por el río Orinoco en su parte más angosta y que ha sido postulada ante la UNESCO como Paisaje Cultural Mundial. La exposición se hace relevante por el conjunto fotográfico de David Maris que recorrió todo este lado de Venezuela durante años para reunir más de 5000 fotografías, de las cuales se muestran algunas decenas en la citada exposición que es el resultado de la labor de un amolio equipo de investigadores coordinados por la antropólogo María Ismenia Toledo.

Nuestro estado inicia un diálogo con el país. Su horizonte es colocar como relevante, en la agenda del debate, algunos problemas que hoy día son sustanciales, no sólo para Venezuela sino para el mundo: La relación entre la cultura y el ambiente. El cruce de miradas, de parlamentos, de perspectivas, de fugas, de encuentros y engranajes será a propósito de la concepción de la diversidad cultural desde una mirada ecológica.

La puesta en escena será a través del "Salón Nacional Yaracuy Planeta Tierra -Presente y Futuro-." que ha reunido a 67 artistas de distintas partes del país. Cada uno cargado con su morral de sueños, de esperanzas, de protesta transformados en obras, dibujos, esculturas, instalaciones...  todas ellas desafiantes, arriesgadas, como retando a los sentidos para despertar con una conciencia otra frente al mundo, frente a la sociedad, frente a ese espejo que nos interpela por una comprensión más humana, más sutil, como un vuelo de mariposa en un atardecer rumbo a Yaritagua.

Se trata, entonces, de repensar "la montaña de Sorte" como espacio donde comulga la cotidianidad religiosa, atravesada de un sentido de conservación cultural y ambiental como condición para dialogar con ese maíz constitutivo de la conciencia campesina. Dicho de otra manera, este Salón se constituye como el abreboca de un océano para un diálogo sin frontera a propósito de aquello que somos, en clave artística, en clave poética.

Se trata de una apuesta por un arte donde la vida en diálogo crítico, constructivo, renovado sobre la diversidad cultural pase transversalmente por el campo de la ecología. Obviamente, la mirada transdiciplinaria que se presenta es una respuesta a las cápsulas, a las casillas, donde el arte no es político o el ambiente nada tiene que ver con la cultura... La apuesta, por el contrario, es por un discurso integrador capaz de superar todo tipo de dogma en cualquier ámbito del pensar y del hacer.

La celebración de nuestro Salón fue posible por la voluntad de una gobernación que quiere pensarse distinta, por una gobernación que está promoviendo el diálogo en distintas claves y considera que el arte es sustancial para un cambio en las formas de vivir, es por ello que le agrademos al Gobernador Carlos Giménez, el interés y la preponderancia que le ha dado a tan magno evento.

Finalmente, quisiera concluir invitándolo, a usted lector, a disfrutar de una experiencia estética que tiene por vocación que su mirada se transforme en una abanico de posibilidades para vivir, en la comprensión que hay múltiples formas de hacer, de decir y de entender el camino de una revolución ecológica del sentir.

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Un salón de arte es una confrontación y en cuanto tal, implica mirarse de frente entre artistas, valer decir con sinceridad. Decirse las verdades, permitir que la obra se exprese por si misma con su lenguaje plástico particular y que demuestre ante quien la contemple los tres aspectos que caracterizan toda buena obra de arte: dominio técnico, originalidad en el lenguaje y trascendencia en los contenidos. Esos fueron los parámetros que el Jurado tuvo en cuenta para evaluar la Inclusión y premiación de los trabajos enviados al V Salón Regional "Edgar Giménez Peraza"

Se trató de un certamen convocado sobre bases muy abiertas que no establecieron discriminaciones entre arte popular y arte académico, entre artistas con trayectoria y jóvenes principiantes, entre temas o conceptos, entre tradición e Innovación y tal vez en esta apertura se encuentra su mayor mérito: fue una oportunidad para ver una muestra Importante del actual movimiento plástico en Yaracuy. Para sopesar la influencia positiva que sobre este movimiento ejerce el Museo Carmelo Fernández y para valorar el reto que representa Incluir la participación de pintores larenses y competir con ellos en Igualdad de condiciones.

El resultado es por demás estimulante, la exhibición de las obras aceptadas demuestra la calidad de cada envió y la riqueza de opciones estéticas que se presentaron. Las obras seleccionadas para la premiación se ajustan plenamente a las tres características descritas para todo buena obra de arte, pero la confrontación no se agota en esos tres premios y por tal razón el jurado acordó por unanimidad, conceder cuatro menciones especiales ya que la V edición, en del Salón Regional "Edgar Giménez Peraza" supone la convalidación de los esfuerzos y recursos invertidos en su realización como un aporte al crecimiento de una región que es pujante en muchos órdenes de la vida económica y cultural.

El tiempo de exposición de las obras será también rico en reflexiones y en proyecci6n hacia esta comunidad que se merece todo el trabajo realizado porque responde con su Interés y con su entusiasmo.