​El Museo Carmelo Fernández presenta una selección de obras de su colección con el fin de explorar los enfoques de la abstracción geométrica. La exhibición cuenta con 13 obra que van desde los años setenta hasta la actualidad, y aunque se enfoca únicamente en arte venezolano pone en evidencia una diversidad de técnicas y acercamientos conceptuales sobre las propuestas geométricas.
 
La persistencia de la geometría muestra su relevancia que la caracteriza desde los años cincuenta hasta nuestros días, como una forma de expresión concreta y pura. Su empleo facilitó el alejamiento de la representación de la realidad y alentó la aspiración de crear un nuevo lenguaje visual que encarnara las ideas de pureza y perfección.
 
Las obras de mayor relevancia como: Variante del Amarillo Nº 3 de Mercedes Pardo, Composición Nº 5 de Omar Carreño, Sinfonía Nº11 de Freddy Armas y Construcción de Esteban Castillo tienen un acercamiento más sutil y concreto de la geometría utilizando las líneas limpias y el color puro para mostrar la perfección de las formas.
 
Por otro lado están las propuestas de índole sensible que hoy vemos su vigencia con modalidades nuevas y posibilidades creativas ilimitadas. En esta tendencia vamos a observar las obras de los artistas: Signos y Emblemas de Manuel Quintana Castillo, Surgimiento de una Forma de Michelle Arias, Estructuras de Efraín Guevara,  Imbricaciones Cromáticas Alexander Brandt, Penetración de la Luz IV de Euclides Bouquette y Líneas + Construcción = Cuadro de Juan Carlos Martínez donde el color como expresión plástica se muestran uniforme, frío, firme y seguro sobre el plano. Pero además se contraponen con las piezas de los grandes maestros al ser espontáneas, es como dice Gaston Bachelard  “…una geometría implícita, una geometría que se quiebra o no espacializa el pensamiento”[1].
 
La forma geométrica se han utilizado con una nueva actitud que apela tanto a lo sensorial como índole cultural, los artistas contemporáneos han reutilizado el vocabulario geométrico como estilo y lo han convertido en recipiente de nuevos planteamientos.

​Esta exposición reúne un grupo de obras importantes dentro de la colección del museo, son piezas de grandes dimensiones, la exhibición está estructurada como un conjunto de tiempos y narraciones distantes que presentar una historia del arte contemporáneo venezolano, tejida de múltiples voces, circunstancias y momentos.
Las obras de los artistas Wilkar Ríos, David Cedeño, Francisco Bugallo, Rafael Sánchez, Edgar Giménez Peraza, Paolo Leone, Luís Noguera y Paul Parrella muestran la destreza y la fuerza impresa sobre estos planos  grandes, donde el color, las líneas y las texturas revelan el alma que rodea a los artistas. 
La mirada no es estática cuando observamos estas creaciones, debemos recorrer todo el espacio para poder disfrutar de la composición y las formas aplicadas en cada una de las obras. El campo pictórico se vuelve inmenso ante nosotros como por ejemplo la obra titulada “El Músico” del artista Edgar Gimenez Peraza, allí podemos ver la destreza del dibujo como las líneas se entrelaza entre la textura y la mancha como un gran mural que se vuelve avasallante ante nuestros ojos.
De la misma forma sucede con las piezas de Francisco Bugallo obra titulada “Cristo” de imagen fuerte al reinterpretar el “clásico religioso” con una visión contemporánea basada en el rigor conceptual y técnica que caracteriza toda su obra.      
Luis Noguera expresa su vivencia sobre el solar de su casa desde la abstracción y la materia como símbolo. Por otro lado los artistas Wilkar Ríos, David Cedeño y Rafael Sánchez resaltan el imaginario desde la figuración con un cromatismo interesante por el uso de las tonalidades, la fuerza de la línea y la pincelada.
De igual manera sucede con la pieza de Paolo Leone titulada “(Des) Cultivo” plantea un simbolismo desde el bodegón  yuxtaponiendo la figura y los símbolos sobre la mancha usando un soporte transparente como una cortina de manera intencional, haciendo participen al espectador en la obra.
En el caso de la pieza titulada “Anotaciones sobre la Luz” de Paúl Parrella podemos observar la importancia de la mancha y la gestualidad que aplica el artista sobre el soporte expandiéndose en el espacio como una gran destello.
Finalmente dejamos en el criterio del espectador su visión de esta muestra  que se tradujo para el equipo del museo, como un desafío expositivo y dando respuesta a la actualidad contemporánea del arte venezolano. 

El Museo Carmelo Fernández tiene el placer de presentar esta muestra con una sustanciosa recopilación de artistas de los estados Lara, Anzoátegui, Zulia, Distrito Capital y Yaracuy, que incluyen nombres como: Maria Fabiana Zapata, Natalia Rondón, Rosa Canelón, Liseth Castillo, Malu Valerio, Maira Reverol, Clemencia Labin, Norma Morales, Victoria Proaño y Michelena Farrauto.
Esta exposición abarcan desde la pintura, la escultura, el dibujo, la artes graficas, la instalación y el arte conceptual, dicha  exhibición es una guía de referencia indispensable, con un placer para la vista por la calidad estética que cada una de las mujeres presentan como propuestas plásticas en pleno siglo XXI.
La historia del arte ha sido compuesta con una generalidad, y es que su gran mayoría los exponentes más reconocidos son hombres. Sin embargo, desde el siglo XX hasta hoy se ha empezado a integrar la obra de mujeres con discursos visuales contundentes que han experimentado en diferentes soportes, técnicas y medios, abarcando desde las artes gráficas, la pintura, el dibujo, la fotografía, la instalación y los nuevos medios.
En este sentido, esta exposición vale la pena revisar para entender la sensibilidad femenina y la mirada que le dan a un contexto social, histórico y político a través de sus trabajos creativos. Reflexionar sobre la actuación de las mujeres artistas provenientes de regiones distintas hace de esta muestra un territorio de convergencias que se cruzan desde los planteamientos conceptuales.
En esta oportunidad la artista Natalia Rondón presenta una pintura con una mirada aérea o frontal del espacio plástico, pintadas con colores grises, ocres y algunos toques de luz. Incorporar la técnica serigráfica, logrando manchas superpuestas o transparencias, que da esa sensación de lo corroído o del paso del tiempo, es una pintura abstracta que puede hallar su correspondencia en la geometría y la cartografía. Por otro lado Maria Fabiana Zapata muestra una instalación abierta y participativa, en la que cada espectador puede darle rienda suelta a su imaginación y construir su propia perspectiva en medio de una serie de figuras abstractas y geométricas que nos recuerda a la obra de la artista venezolana Gego (Gertrud Goldschmidt). La joven artista Liseth Castillo presenta una instalación que representa su visión del paisaje construidos desde el collage y pigmentos vegetales donde el libro objeto y lo bidimensional son uno solo en el espacio. Rosa Canelón propone una pintura vinculada al Arte Pop expresionista, utiliza imágenes simbólicas con un sentido diferente para lograr una postura estética urbana, utilizando objetos como trasmisor de mensaje y conectándose para crear un dialogo. Los colores y manchas se yuxtaponen de forma armónica en el plano entre puntos y letras que forman un discurso plástico interezante. También la creadora Malu Valerio nos presenta un trabajo liberador donde emprende un largo viaje entre la nostalgia, lo sensible y lo cotidiano, otorgando en cada costura bordada memorias que evocan la proximidad de vivencias propias y otras que no le pertenecen, logrando transformar con especial encanto y distinción un lenguaje propio, orgánico, íntimo, femenino y cotidiano. La artista zuliana Maira Reverol muestra un trabajo compuesto por 96 CD intervenidos pictóricamente, expresa una metáfora continua que pretende arropar la realidad y embellecerla, darle un sentido poético donde los árboles poblados de pájaros angélicos dialogan en si mismo. La artista venezolana residenciada en Alemania Clemencia Labin elabora abstracción pictórica, su técnica de relleno de telas le otorga a esta pieza una cualidad orgánica innegable, pues se trata de tejidos suaves al tacto y a la vista. Esta obra da la impresión de ser una pintura que comió demasiado y “engordo” para ganar volumen. Por otro lado la obra gráfica de Norma Morales se encuentra inscrita dentro del amplio espectro de las técnicas gráficas; en ella podemos apreciar la utilización del recurso de la intervención digital complementados con técnicas tradicionales como el aguafuerte donde la figura humana es la protagonista en el plano. Por ultimo las artistas yaracuyanas Michelena Farrauto presenta una obra que parte de bocetos o apuntes de la artistas, en la cual nos muestra un relato muy esquematizado a través de la composición, donde las imágenes sucesivas se integran en un solo dialogo. Victoria Proaño con su instalación sonora envuelve los  sentido del espectador por medio de la expansión del sonido en el espacio, allí podemos identificar los sonidos de la naturaleza que se expresan a través de los elementos plásticos que se entrelazan para crear una cartografía poética y sonora.
Para cerrar la pregunta es si el arte hecho por artistas mujeres en el siglo XXI seguirá siendo importante e innovador, queda en la reflexión y el impulso de estas mujeres artistas, pero además de la sociedad cultural contemporánea en los próximos años.

Juan Carlos Martínez
Coordinador General MUCAF

Alexis Lugo. Bajo el influjo de lo racional y lo sensible.
Pensar en un mundo racional sin su complemento, el lado sensible, a lo que le podemos añadir lo sensorial y espiritual, sería hablar de un mundo deshumanizado; y es que todo caos necesita un orden, recordando entre las aseveraciones del Maestro uruguayo Joaquín Torres García en su libro Estructura. El caos del artista Alexis Lugo está ordenado en ideas concretadas en forma de maquetas que son proyectos escultóricos con la intención futura de ser llevadas a escala cívica. Las esculturas son de un cromatismo intenso, fuerte, vivo, saturado y activo, muy propio del ser caribeño y latinoamericano. Amarillos, rojos, verdes y azules en contraste con blanco y negro se combinan en estado puro para captar la atención de cada arista, de cada forma, de cada espacio, de cada respiro de las piezas con el interés formal de mantener su mirada para admirar cada detalle, cada resquicio, cada pensamiento y así, hacernos reflexionar en torno a la capacidad creativa del artista, pero también a la del espectador.
Entre sus trabajos artísticos se pueden apreciar los diversos temas, que según los títulos: Serpiente, montañas, razas, tótem, árbol, cerúleo dinámico, cestería en movimiento, cariñitos, proteo, nuestro escultor valora y destaca el sentido de querencia y pertinencia por lo local, lo nacional y lo universal, por ejemplo, “Tricolor” donde nuestra bandera queda representada por sus colores característicos, además de sus estrellas; lo humano y lo cotidiano con “Cuidado te caes”; la sugestión maternal con “Cariñitos”; lo referencial con “eclipse”, así como lo meramente abstracto con su movimiento óptico y cinético real, bien sea eólico o bien mecánico como “Tótem Wanadi”, muy a la usanza de Alejandro Otero, uno de los artistas venezolanos padre del cinetismo universal.
Alexis Lugo es un artista que vive bajo el influjo de las cosas que lo rodean, la montaña y su fauna, la gente y ciertos personajes populares o simplemente, de lo que tiene delante suyo y echa manos de ello para sensibilizar por medio de la nobleza de los materiales con los que construye sus esculturas/maquetas, el pensamiento de los seres humanos.
Su tacto artístico le permite ordenar, organizar y componer ese caos del que está inmerso en su día a día. En sus resoluciones estéticas el fino y exquisito equilibrio en la tensión de un ángulo recto y agudo que señala a un lugar indeterminado y en el mantener en suspensión el filo de una forma que, sintetizada, representa un aspecto de una figura humana, humanizada en su sentido notoriamente sensible, hacen de Lugo un personaje completo, creativamente describiéndolo.
Entonces, y finalmente, el caos que puede ser la vida, encuentra el orden racional en la mente de este hombre, como pocos, llamado Alexis Lugo. Es que en definitiva, lo racional y lo sensible son características propias del ser humano. He allí en sus proyectos la razón para materializar a escala cívica sus obras.

Licdo. Alexander O. Brandt A.
Septiembre de 2017.

El gesto, como manifestación primigenia de la palabra, es la fuente donde mana la singularidad de la expresión individual. Allí, donde nace el carácter evocador de las formas, donde la palabra es imagen, donde se encuentran las sensaciones, es el lugar del poema.
Norma Morales, maestra impresora, conduce la obra gráfica al gesto poético desde la singularidad de su voz artística, contacta con el sentido de lo no verbal y se preocupa por romper con la rigidez de la técnica para construir – desde el azaroso acontecer- una obra plástica capaz de producir el silencioso asombro que sólo las formas poéticas logran.
La obra gráfica de Morales se encuentra inscrita dentro del amplio espectro de las técnicas gráficas; en ella podemos apreciar la utilización del recurso fotográfico y la intervención digital complementados con técnicas tradicionales como el aguafuerte.
Morales estudió en el Instituto Pedagógico de Caracas en 1987, hizo estudios en el Centro de Enseñanzas Gráficas, que ahora es la actual Universidad Nacional de las Artes, en el área de Artes Plásticas y se especializó en litografía. Desde el Taller de Artes Gráficas (Taga), espacio dispuesto para la creación y la investigación, se ha desarrollado como maestra impresora, encargada de asesorar y orientar a artistas en el medio gráfico y la asistencia en las impresiones dentro del taller.

Franklin Perozo